考研必备：西方音乐史复习资料

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    22、思考题：在巴洛克歌剧发展的不同阶段和流派中，对文本与音乐之间的关系的处理有何不同。
    答：最早的歌剧产生于意大利的佛罗伦萨，在当时的歌剧发展中文本与音乐的关系处理主要来源于对古希腊音乐的研究和理解。古希腊音乐是模仿语言音调或节奏的，它寻求声音在不同情感状态下的表现。旋律是表现诗歌内容的载体。歌剧在蒙特威尔第的手中得到了充分的发展，在他的歌剧中对文本与音乐的关系的论述来源于他对柏拉图音乐思想的理解。柏拉图认为音乐中歌词是最重要的，其次才是音响和节奏。同时他和其他古希腊哲学家一样认为音乐具有打动情感和陶冶人格的特性。因此在蒙特委尔第的歌剧中追求在作品中清晰而准确的表达歌词和歌词中的情感。寻求文本与音乐之间的平衡关系。17世纪在罗马歌剧中，关于文本与音乐之间的关系较以前有了较大变化，人们开始更加注重歌剧的音乐，而不是戏剧，同时也更加注重壮观场面给人们带来的愉悦。以神话故事为主的歌剧体裁也有了较大的扩展和改变。在威尼斯歌剧的发展中也体现了这样的倾向，特别在切斯蒂的歌剧创作中，音乐成为歌剧的首要因素，戏剧则成为音乐的复述。在音乐方面注重独唱，宣叙调与咏叹调明确分开，介于两者之间还有咏絮掉。这种歌剧音乐的形式在其后的有了充分的发展，影响了西方歌剧的发展。在法国歌剧的发展中特别在吕利的歌剧中，认为唱词是最重要的，必须以准确的音调为之谱曲。
    在整个的巴洛克时期，在不同的时间和不同的流派中，对歌剧中文本与音乐的关系有着不同的观点和论述，但这种探讨共同构成了对歌剧音乐与文本关系的有效促进。最终使歌剧艺术在音乐与文本之间找到了最佳的契合点。推动了歌剧艺术的发展。
    23、巴洛克时期的复调写作与文艺复兴时期的复调创作有什么区别?
    随着巴洛克时期“现代风格”，“情感论”“通奏低音”、以及新的和声对位规则的发展和使用，巴罗克时期的复调音乐创作也体现出与文艺复兴时期的创作的不同。
    首先由于现在作曲风格的使用以及“情感论的提出”，原来在文艺复兴时期被限制使用的音程，及作曲规则取得了突破。在复调的音乐创作中，为了更好的表现歌词内容，常在作品中采用无预备的不协和音或非正规的解决，并通过自由的处理一些不协和音来加强歌词内容的表现。
    巴洛克时期的复调对位传统并没有完全消失，但是伴随着通奏低音的运用，这些对位手法逐渐被纳入了功能和声进行的框架中，出现了一种新的对位方式，与文艺复兴时期的调式对位相对而言，这可以称之为调性对位。这种调性对位的复调音乐创作在巴赫手中达到了一个前所未有的高峰。
    文艺复兴时期的自由流动的复调节奏，伴随着巴洛克时期的节奏变化也发生了改变，这一时期的节奏主要有两种类型，一种是非常规整的，主要运用于一些强调生命激情的舞曲创作中，另外一种是非常自由的，主要用来创作一些比较即兴的独奏曲或模仿语言的宣叙调。这种节奏的变化也推动了记谱法的变化，小节线和C谱表、G谱表、F谱表被系统的使用。这些即呈现了也推动了巴洛克时期复调音乐创作的变化。
                    

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    (二)器乐
    1、
托卡塔(toccata)——愿意为触摸，最早见于16世纪中叶的琉特琴谱，16世纪后用于键盘乐曲，是一种以显示即兴创作和演奏的体裁。后发展为具有幻想般的气氛，规模较大的炫技性音乐体裁。托卡塔的惯用手法是力度很强的和弦延续，丰富的装饰音，急速的音流。常用延长记号分段，突出各段之间的对比。
    2、
赋格曲(fugue)——是一种以模仿复调为基础，即严谨又灵活的形式。赋格的主题有自身的特点，其次是赋格有明确的调组织。此外，灵活生动的节奏也是赋格必不可少的因素。
    3、
恰空(chaconne)——是巴罗克时期常见的变奏曲类型的音乐体裁，是三拍子式的舞曲，风格庄重，常常基于一个4小节或8小节的固定低音，或基于一个和声图式，然后不断的反复和变奏，作曲家以此发挥他们的创造才能。(帕萨卡利亚与恰空的区别不大)
    4、 简介巴罗克时期的组曲。
    答：十七世纪下半叶开始，组曲是巴罗克键盘音乐常用的题材，有一系列松散的小曲组成。这些曲子大多具有舞曲的节奏，织体优美，带有大量装饰音，许多乐曲都加上生动有趣的标题。法国古钢琴作曲家创作了大量的娱乐性的轻松的变奏曲和舞曲。老一辈的商蓬涅尔第一个将四种不同性质的舞曲编制在一起，从而确定了古作曲的基本结构(1)阿雷曼德(Allemande)德国鼓舞曲，平稳严肃。4/4拍，中速;(2)库朗特(Courant)法国舞曲，轻快、三拍、快速;萨拉班德(Sarabande)西班牙舞曲，感伤德、三排、慢速;吉格(Gigue)英国舞曲，常用复调(对位、赋格)手法、三排、极快，三四段间可加间奏曲和其他舞曲。后来的库泊兰对组曲的形式巩固起了重要作用。
    5、 巴罗克时期最著名的古钢琴作曲家有：法国的商蓬涅尔(Chambonnieres),库泊兰家族的弗朗索阿.库泊兰(Francois
Couperin)，拉莫，意大利的多.斯卡拉蒂(Domenico Scarlatti)等。
    6、 十二平均律——再键盘乐器中，将一个八度内的音均分为十二个半音的调律方法叫十二平均律。
    7、 教堂奏鸣曲(sonata da
chiesa)——音乐较为严肃，一般在教堂内演出，典型的教堂奏鸣曲包含四个对比乐章。第一乐章慢速，4/4拍子，较庄重。第二乐章快速，4/4或2/4拍子，织体常为赋格式模仿对位。第三乐章慢速，2/2拍子，抒情性，带有萨拉班德或加亚尔德舞曲节奏特点。第四乐章快速，2拍子或3拍子，和声性织体，具有库朗特、加沃特、基格或小步舞曲节奏特点。各曲均为二部曲式结构。
    8、 室内奏鸣曲(sonata da
camera)——有显著的世俗性，主要源于16世纪末成对的舞曲。实际上是由阿勒曼德、库朗特、萨拉班德、基格等一系列舞曲构成的组曲。
    9、 独奏奏鸣曲(solo sonata)——有一把小提琴或长笛或其他乐器，加上通奏低音乐器构成的演奏形式。
    10、三重奏鸣曲(trio sonata)——有两把小提琴，和通奏低音乐器构成的演奏形式。
    11、大协奏曲(concerto
grosso)——将乐队分为两组，强调小组与大组之间的对比。小组包含两件(有时更多)独奏乐器和通奏低音，大组一般以弦乐队和通奏低音乐器为基础，有时加上木管乐器。
    12、乐队协奏曲——(ripieno concerto )乐队中的各乐器既起独奏组的作用，有组成合奏，强调互相之间的对比竞争，具有协奏风格。
    13、独奏协奏曲(solo soncerto )——突出独奏乐区与乐队之间的对比。
    14、维瓦尔蒂——是巴罗克晚期对协奏曲发展音影响最大的音乐家。他不仅是一位享誉欧洲的器乐作曲家，而且也是一位歌剧作曲家，同时还创作了大量的康塔塔、经文歌、和清唱剧。他的器乐作品最多，包括三重奏鸣曲、独奏奏鸣曲、约450部各类协奏曲及合奏音乐。他是当时有名的小提琴演奏家，主要写小提琴协奏曲，也写大提琴、大管协奏曲，还是第一位写长笛协奏曲和第一位在乐队中采用单簧管的作曲家。他继托雷利之后完善了独奏协奏曲的形式，一般为三个乐章，重视快速的第一乐章，是第一乐章的“利都奈洛”(ritornello在这里的意思是“回复”)的形式得以定型。即乐队的全奏与独奏乐器演奏的段落交替出现，主题基本相同的乐队全奏反复出现，其间插入每次不同的，辉煌而充满激情的独奏，构成全奏——独奏——全奏——独奏——全奏……-它的音乐风格具有威尼斯人的热情和平民的开朗，音色华丽，节奏活泼，旋律性和色彩性都很强。他敏锐的感受到了时代的新潮流，把巴洛克混乱的主调织体加以整理，是古典主义的先导。
    15、《四季》——有意大利作曲家维瓦尔蒂创作的大型小提琴协奏曲，有四首用诗句作标题的大协奏曲组成，是他最负盛名的经典作品之一。维瓦尔蒂在这部作品中，已将协奏曲的结构精炼为三个乐章(快慢快)这对器乐的发展产生了深远的影响。
                    

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    (三)巴赫和亨德尔
    1、 巴赫最杰出的写作技巧是：复调手法，被后世称为复调大师。
    2、 巴赫为什么被称为继往开来的人物?
    答：巴赫的创作显示出他是一位对位法大师，包括提琴这样的主调乐器，他都能富于极其美妙的复调对位。巴赫娴熟、完美的驾御各种复调手法，以至使发展了几个世纪的复调音乐达到了最后的高峰。同时，巴赫又表现出创作主题旋律的巨大才能。它的旋律更器乐化，个性鲜明而精炼。他
    将丰富的和声、调性的转换，融于赋格曲这类复杂、高级的复调形式之中。高度的复调思维与新颖生动的主调手法并用成为巴赫最重要的创作成就。
    18世纪流行于欧洲的各种音乐风格与形式在巴赫的受众不但得到了完美的继承，而且更被发展到了新的高度，其作品不仅数量巨大，而且都具有极高的质量，既有十分简洁而极有个性的主题，又有丰富的想象和强烈的表现，以及异常完美的音乐技巧，正是这一切使巴赫称为音乐历史上一个继往开来的关键人物。
    3、 巴赫的作品：宗教作品：《马太受难乐》、《b小调弥撒》
    管风琴作品：《帕萨卡利亚》、《a小调前奏曲与赋格》、《d小调托卡塔与赋格》
    古钢琴作品：《创意曲》、《平均律钢琴曲集》、《法国组曲》、《英国组曲》
    独奏器乐曲：《大提琴组曲》、《无伴奏小提琴奏鸣曲和帕蒂塔》
    管弦乐曲：《勃兰登堡协奏曲》
    4、 亨德尔在那两种音乐体裁中有突出成绩：歌剧、清唱剧。
    5、 为什么亨德尔的歌剧写作受到挫折，它的歌剧有什么特点?
    答：由于经历了此产阶级革命的英国市民，厌倦了皇家崇尚外国艺术的风气，国内《乞丐歌剧》的上演也冲击了正歌剧的市场。人民需要具有民族风格和时代性的音乐形式。
    亨德尔的歌剧延续了意大利的正歌剧的传统，结构遵循叙述情节的宣叙调与抒发感情的咏叹调相交替的格式。咏叹调的类型极为丰富，从华丽的花腔到悲凄的歌唱，从雄浑有力，富有英雄气概到节奏生动的舞蹈性歌曲应有尽有。为增强音乐戏剧性，常采用带伴奏的宣叙调。亨德尔十分重视管弦乐在歌剧中的作用，有战争场景、田园场景、奇幻场景的描绘音乐。他还擅长于戏剧场面的组织，在场面变化的同时伴以种种调性的变化，造成音乐的交替效果。
    6、 亨德尔清唱剧创作的特点，简介《弥赛亚》。
    答：亨德尔的清唱剧主要取材于信封新教的英国群众所尊崇的圣经，配上庄严强劲、气势雄浑的领唱、合唱，富于清唱剧以前所未有的英雄性和史诗性。其作品具有生气盎然的情绪，清晰明快的音乐风格。
    作于40年代的《弥赛亚》是一部非戏剧性的清唱剧，全局的三个部分讲述耶稣诞生的预演和实现，受难，复活。歌词来源于《旧约.圣经》，用一种间接的，象征的方式叙述。宣叙调只起引入咏叹调或合唱的作用。咏叹调则极其丰富独创。他自由的运用返始咏叹调，在情绪抒发有较强要求是，为旋律添加大量炫技性脱腔。合唱音乐简朴浑厚，常以复调与主调织体交替出现，从模仿复调开始，逐渐专成和声坚实有力的段落。《弥赛亚》中对于独唱与合唱结合，独唱与合唱与管弦乐队结合的处理，显示出亨德尔高超的技巧和天才的创造力。《弥赛亚》是亨德尔清唱剧创作高潮时期的代表。
    7、 亨德而重要的器乐作品：《E大调变奏曲》(和谐的铁匠)、《水上音乐》、《皇家烟火音乐》
    五、古典时期的音乐
    1、 古典主义时期音乐中的情绪：古典主义崇尚理性，讲究感情约束以及和谐均衡。
    2、 古典主义时期音乐的旋律的特点：旋律结构以不同于巴罗克时期的流态运动，常常是方整的。
    3、 古典主义时期音乐的节奏：节奏形成了周期性结构
    4、 古典主义时期音乐的调式：大小调体系已得到充分发展。
    5、 古典主义时期音乐的织题：主调织体占据重要地位，从而旋律成了最重要的织体成分，低音及和，声仅起伴奏作作用，阿尔贝蒂低音就是这种织体的典型。
    6、 古典主义时期音乐的音乐体裁：声乐：喜歌剧、艺术歌曲
    器乐：交响曲、协奏曲、室内乐
    7、
古典主义时期的管弦乐队编制：18世纪的管弦乐队的规模因演奏场合而异。管弦乐队的固定乐器是弦乐组、2支双簧管、2支大管、有时长笛可以替换双簧管。18世纪下半叶，单簧管才逐步加入管弦乐队。当时位追求辉煌明亮的效果，常运用小号和定音鼓，木管乐器也逐渐引入到管弦乐队中来。
                    

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    (一)歌剧
    1、 喜歌剧(poera
buffa)——18世纪出现的喜歌剧，是相对于传统的正歌剧而言得一种新风格的声乐形式。它的前身是在意大利的一种插在正歌剧幕间演出的轻松小戏，或正歌剧中滑稽角色所唱的绕口令式的诙谐段落。取材于日常生活，采用生动活泼的对白与通俗流行的曲调，形式雅俗共赏，风格幽默调皮。
    2、 正歌剧(opera
seria)——意大利正歌剧的题材多取自于古代神话或古罗马历史，每部歌剧包含5幕15场，由宣叙调和咏叹调互相交替组成，松散的宣叙调用于叙事和发展剧清，结构清晰的咏叹调服务于感情的静止抒发。其美学目标不在于创造音乐与戏剧的统一体，而是炫耀歌者的高超技巧。
    3、
喜歌剧之争——1752年意大利歌剧团在巴黎演出《管家女仆》，引起了有名的喜歌剧之争。以“皇家音乐研究院”为首的一派，坚持贵族宫廷的艺术趣味，竭力维护所谓“法国传统”;而以启蒙运动代表人物卢梭为首的另一方，热情赞颂意大利喜歌剧的新鲜与活力，尖锐批评法国歌剧的华而不实。这场争论促进了法国喜歌剧的发展。
    4、 格鲁克歌剧改革表现那在那些具体的方面?歌剧代表作有哪些?
    答：格鲁克改革的主旨是：质朴和真实是一切艺术作品的美的伟大原则;歌剧中音乐的“真正使命”是“和诗配合，以便加强情感的表现”。
    在他的歌剧中，宣叙调占有重要地位，并且加强了旋律性，使其具有细致的情感表现力。他精炼戏剧结构，删去咏叹调中华丽炫技的部分，追求朴实无华的真情流露。它的序曲不再是脱离歌剧整体而孤立存在的东西，而是预示剧情的有机部分;歌举重的合唱、舞蹈都随剧情需要而存在，不能任意加添;格鲁克还在记谱时废除了数字低音，而代之以具有明确的各声部的近代写法。
    作品有：《奥非欧与优丽狄西》
    (二)古典交响乐套曲和奏鸣曲式的形成
    1、 古典交响曲的形成与那些体裁有关：三重奏鸣曲、大协奏曲、歌剧序曲、组曲。
    2、 简介曼海姆乐派极其音乐特点。
    答：在分裂的德国境内曼海姆地区，以约.斯塔米兹为首的一批来自欧洲的音乐家云集这里，创作与演出十分活跃，并有重大影响，被称为“曼海姆乐派”
    曼海姆乐派的创作已有鲜明的主调风格，结构明晰，旋律轻捷、和声简明。他们确立了古典交响曲套曲包含快板——行板——小步舞曲——终曲的四乐章结构格式，乐章内有两个对比的主题;重视以小提琴为中心的旋律，多为旋律处于支配地位的主调织体;废除巴罗克乐队通奏低音的简略记普法，写奏包含全部管弦乐声部的总谱;重视管乐器，增加音乐的色彩感;仔细安排音响的渐强和渐弱，常出出现乐队突然爆发的强奏和休止。曼海姆乐派的交响曲接近法国的华丽风格，以及意大利的清新和富有活力。
    3、 曼海姆乐队的编制是怎样的?演奏有什么特别之处?
    答：曼海姆乐队的编制已相当完整，曼海姆乐派的创始人约.斯塔米兹将乐队人数增加到56人，极大的提高了乐队的演奏水平。重视管乐器，增加音乐的色彩感;仔细安排音响的渐强和渐弱，常出出现乐队突然爆发的强奏和休止。增强了管弦乐队表达情感幅度的能力。
    4、 简介K.P.E巴赫及其音乐特点。
    答：K.P.E巴赫是巴赫的次子，是柏林乐派的代表人物，他是后来曾给贝多芬以重大影响的作曲家之一。它的主要贡献在于开创了近代钢琴奏鸣曲的先河，是近代钢琴奏鸣曲的奠基人。他接受德国启蒙思潮——狂飙运动的影响，力求用音乐表达更为深刻、强烈的感情。在他的奏鸣曲及交响乐中，既有他父亲作品里蕴藏的德国式的阴郁、凝重，但又有新时代、心思潮所具有的一种挣脱压抑的冲击力量。他的钢琴奏鸣曲中所包含的戏剧性，比同期的D.斯卡拉蒂的作品更强烈。
    (三)维也纳古典乐派
    1、
维也纳乐派——海顿、莫扎特、贝多芬三位大师，先后以维也纳为生活、创作的中心地，他们之间有着内在的深刻的继承关系，共同对欧洲音乐产生了久远的影响，被后人称为是“维也纳古典乐派”。
    2、简介古典主义时期奏鸣曲和奏鸣曲式。
    答：奏鸣曲是包含有奏鸣曲式在内按一定模式构成的大型器乐独奏套曲的总称。奏鸣曲式是基于主题的呈示、展开与回归的大型器乐曲式。奏鸣曲式由三个乐部组成，即呈示部、展开部、与再现部。奏鸣曲与奏鸣曲式是两各既有联系又有区别的名词。前者是以奏鸣曲是为第一乐章的大型器乐套曲的名称，或者说是一种“题材”的称谓，后者是指一种将定的曲式称谓。
    2、 海顿是如何确立交响曲模式的?
    答：海顿早期在宫廷工作的经历使他创作了大量的交响曲，时期摸索并娴熟驾驭了交响曲形式的结构手法。八十年代他与莫扎特得亲密交往，使他思想艺术上都受到莫扎特交响曲创作的影响。晚期的创作标志了古典交响曲形式的成熟。第一乐章，快板奏鸣曲式;第二乐章，抒情歌唱性的三部曲式或变奏曲式;第三乐章，小步舞曲性的三部曲式;第四乐章，舞曲性的回旋曲式。
    3、 海顿交响曲的第一乐章常用一个缓慢的引子，与接下来的快板部分形成对比。
    4、 海顿的交响曲的首、末乐章，经常使用展开主题短小动机的发展手法。
    5、 海顿确立的弦乐四重奏已确定为和交响曲相同的四乐章结构，他废除了数字低音，明确了弦乐四声部，声部间更为协调，均衡，不再强调第一小提琴。
    6、 海顿的宗教作品：《创世纪》、《四季》
    7、
海顿所确立的管弦乐队编制为：海顿采用双管制乐队，划分成弦乐组(以弦乐四重奏的四个声部为基础)，木管(长笛、双簧管、单簧管、大管各两支)，铜管(圆号、小号各两支)三个乐器组，以及定音鼓和其他打击乐器。
    8、 莫扎特歌剧创作的特点及主要的三部作品。
    答：莫扎特主张“诗必须服从于音乐”。他的歌剧具有强烈的音乐感染力，旋律非常优美、流畅、自然而深情，宣叙调也富有歌唱性。不同类型的音乐，将各种人物形象、性格塑造的鲜明而生动。重唱形式，被莫扎特作为安排戏剧性冲突和高潮的重要手段。序曲简练、个性化，在音乐的性质上
    与全剧有了更多的内在联系。《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《魔笛》
    9、
在交响曲的第一乐章中，莫扎特去掉了以往交响曲的引子，主副部主题间形象对比强烈，和声、调性上大胆的构思，使展开部的不稳定幅度得到加强。从而区别于海顿的交响曲。
    10、莫扎特确立的古典协奏曲模式是怎样的?
    答：1)第一乐章为双呈示部的奏鸣曲式结构。2)第一乐章的尾声之前，乐队停留在终止四六和弦上，随即开始独奏乐器炫技性的“华彩段”。3)第二乐章像一首抒情的咏叹调，可听到歌唱般的悠长旋律。4)终止乐章一般为回旋曲式或奏鸣曲回旋曲式，常采用民歌风格的主题，既带炫技性，有散发出明朗乐观的生活气息。
    11、华彩段——有以显示独奏家高超的演奏技巧和联系乐章主题即兴发挥的能力的独奏乐器炫技性的段落。
    12、双呈示部——由乐队提示出第一呈示部，两个主题均建立在主调上，独奏乐器进入与乐队共同演奏的第二呈示部再次奏出两个主题，形成主调与属调的对比，就是双呈示部格局。
    13、贝多芬的音乐有那些与海顿、莫扎特不同的特点，体现在哪些方面?
    答：1)音乐脱离了以往的装饰性和娱乐性，具有更为深刻的社会性和思想性
    2)作品的内容和情感比以前博大丰富的多。
    主要表现在：他极大的扩展了交响乐的思想内容，使之成为直接反映社会变革的体裁;钢琴的表现幅度也大大增强。内容的扩展导致表现手法的创新：他突破了传统的曲式布局，动机性的主题运用和动力型的乐思发展，是音乐具有非凡的气势和力量;建立在功能基础上的离调变音体系，成为贝多芬的和声风格特征;灵活的离调转调和大幅度的节奏对比及力度对比，对于刻画矛盾冲突和戏剧性发展起到重要作用。此外，对位法的运用，乐队音响的组合，钢琴音乐的写作，都有鲜明的特点。
    14、贝多芬对古典奏鸣曲式和交响套曲的发展表现在哪些方面?
    答：贝多芬最重要的贡献，是在对奏鸣—交响套曲的发展和创新上。奏鸣曲是在贝多芬的创作中，各部分结构、互相对比的性质及独立的形象意义都有所扩大。每段内部都包含的发展性质，在展开部表现的更集中、更激烈。成为整个奏鸣曲式的重心。他的套曲各乐章之间，即使对比并置的关系，在内容，形象上又互相联系。由于音乐材料的连贯性，使套曲保持了高度的严谨和统一。乐章的数目、所用曲式的次序都突破了古典乐派的典型章法，特别是将谐谑曲引进交响曲，取代了具有贵族宫廷典雅气质的小部舞曲，并赋予这种谐谑性质的乐章以豪放泼辣的气质。变奏曲式以至幻想曲也被自由的组织进套曲结构之中。
    15、贝多芬的具体写作手法如节奏、力度、和声、调性、配器等有哪些特点/
    答：在音乐的具体表现手法上，贝多芬有自己独特的风格。他的旋律继承海顿式的动机展开的手法，又吸取莫扎特旋律的深情，而形成简洁、粗犷、质朴、热情的特征。节奏上频繁的变幻，切分和休止所造成的动力性、不平衡感，和声、调性上不谐和、不稳定范围的夸大，力度上大幅度的起伏等等，构成了贝多芬那种强烈的感染力量和宏篇巨制的气魄。在配器上，他显然受到法国大型器乐曲的影响，重视发挥铜管、木管的作用。乐队的编制和表现力也明显超出海顿、莫扎特时期。
                    

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    16、贝多芬的三部著名交响曲：《第三交响曲“英雄”》、《第五交响曲“命运”》、《第六交响曲“田园”》、
    《第九交响曲“合唱”》
    17、歌剧作品：《费德里奥》
    第六章 浪漫主义时期的音乐
    1、
浪漫主义时期音乐的情绪：着力表现个人的感情和幻想，尤其强调个人主观的体验。热衷于反映内心最强烈情感的爱情主题，倾心与带自传性的、不满现状的忧郁孤独着的精神，在描绘自然景色及现实形象时也更强调主观色彩的印记。
    2、 浪漫主义时期音乐的旋律：旋律优美，富有激情，抒情性大大加强，乐句结构的伸缩性也很大，在民族音乐中旋律带有民间特色
    3、 浪漫主义时期音乐的节奏：灵活多变，采用弹性节奏，在规范的节奏范围内可自由变化。
    4、 浪漫主义时期音乐的调式：大小调体系，以调性音乐为主，由于半音和声及远关系转调的频繁运用，已有调含混之感。民族乐派采用民族调式进行创作。
    5、 浪漫主义时期音乐的织题：以主调为主后期重视复调手法。
    6、 浪漫主义时期音乐的和声：和声是重要的表现手法，在功能和声的基础上加强了色彩的变化。更多使用不谐和和弦。
    7、
浪漫主义时期音乐的乐队写作：配器手法迅速发展，作曲家们探索各种乐器组合的可能性，力图取得绘声绘色的效果。同时力度的强弱对比，速度的缓急变化等等，更是多种多样，形式结构也不断趋向自由。追求音乐的微妙性、独创性、开拓新的演奏技巧。
    8、 浪漫主义时期新的音乐体裁：特性乐曲：前奏曲、夜曲、叙事曲、狂想曲、无词歌、间奏曲。
    标题音乐、艺术歌曲、交响诗。
    9、 标题音乐(proframme
music)——用标题来统帅交响乐创作的整体构思，用详细的文字说明来昭示戏剧性的情节，并与音乐发展的线索紧密结合。作品中的固定乐思(主导动机)具有明确的形象意义，成为陈述故事性内容的重要手段。
    10、纯音乐(absolute music)——浪漫主义时期不加任何标题的音乐形式。
    (一)浪漫主义时期西欧国家的音乐
    19世纪上半夜的德奥音乐
    1、 从音乐与诗歌的关系以及旋律、和声、钢琴伴奏几个方面介绍舒伯特艺术歌曲的特点，并用实例加以说明
    答：舒伯特的艺术歌曲一般选用著名诗人的诗歌为词，他对诗歌包含的各方面都十分敏感。尊重语言的重音和音调，根据诗歌的形式和内涵来创造旋律。《野玫瑰》、《暮春》等具有民歌般的纯朴优美;《海滨》、《致音乐》等充盈着内心的忧郁、疑问和恬静等不同的感情。《孤居》、《年轻的修女》、《幻影》等则混合有吟诵和歌唱的风格。它的旋律与诗歌之间达到一种均衡关系。他总是使音乐的形式与诗歌的结构相称。大多数歌曲都采用分节歌形式，(如《谁是西尔维亚》、《暮春》)当时各种某一世节的内容与气氛有所变化，音乐就作相应改变，既显著的表达新的意境，又保持了原有的音乐精华(如《鳟鱼》、《菩提树》)。当一首诗歌不是分节诗时，常常用通谱写作(如《魔王》)。他有
    意识的把和声、钢琴伴奏等因素提高到与旋律和诗歌同等重要的地位，给诗歌的周围造成一种音乐的力量。和声的特点是爱用大小调交替(如《菩提树》、《小夜曲》)，在自然体系和声的基础上巧妙的运用半音和声。钢琴伴奏起到提示场景，传达诗歌意境的作用。例如描绘鱼儿在水中穿梭游动《鳟鱼》;模仿纺车转动，烘托悲痛与四年的感情《纺车旁的葛莱辛》;刻画风声、马蹄声，制造紧张焦虑、惊慌不安的气氛《魔王》以阴沉的和弦衬托吟诵般的歌唱《幻影》、《死神与少女》。钢琴伴奏还起到把歌曲的各个部分组合起来，达到音乐完整统一的作用。
                    

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    2、 声乐套曲(song cycle)——具有相同的音乐风格，和统一的思想联系的艺术歌曲集。
    3、 舒伯特的艺术歌曲：《鳟鱼》、《菩提树》、《魔王》、《暮春》、《致音乐》、《小夜曲》
    4、 舒伯特的声乐套曲：《美丽的磨坊女》、《冬之旅》
    5、 舒伯特的其他体裁的作品：歌剧：《孪生兄弟》、《魔法竖琴》、《罗莎蒙德》
    弥撒曲：六首
    音乐瞬间六首、即兴曲八首、钢琴奏鸣曲11首(《C大调幻想曲》)
    交响曲：《降E大调第五交响曲》、《b小调第八交响曲“未完成”》、
    《C大调交响曲“伟大”》
    6、
舒伯特德《未完成交响曲》：因为其只有两个乐章，比传统的交响曲少了两个乐章，被认为是未完成的，但是整部交响曲德乐思已发展的很完善，含有抒情、歌唱性的旋律，细腻的和声和节奏处理，丰富的管弦乐色彩，以及音乐在发展中，休止间歇和弱奏与突发强奏之间的对比交替，有鲜明的感情爆发与宣泄。是一部真正的浪漫主义交响曲
    7、 门德尔松对德国音乐事业的贡献。
    答：他发掘并宣扬德国古典音乐，指挥演出莫扎特、贝多芬及舒伯特的作品，并于1829年指挥了巴赫《马太受难乐》的再度演出，有力的推动了的巴赫音乐的复兴。他创立了德国的第一所音乐学院(莱比锡，1843)。在自己的创作中，门德尔松力求遵循古典传统，有力的抵制了在音乐界泛滥一时的粗糟平庸的创作趣味。
    在它的重要创作中，《第三(苏格兰)交响曲》、《第四(意大利)交响曲》以抒情的笔调，描绘出门德尔松对不同地域、民族风光景色的体验。管弦乐序曲《仲夏夜之梦》和《赫布里德(芬加尔山洞)》等标题性作品，在结构上既保持着与古典奏鸣曲式的联系，又根据内容的组要而自由处理，开辟了独立的标题交响序曲的天地。它的钢琴曲集《无言歌》(8卷48首)，作为浪漫派标题性、歌曲性器乐小品的代表作，也是他用音乐语言表述各种意念、情绪的试验园地。
    门德尔松的音乐追求古典音乐的严谨、完美、和谐，但更注意个人情感的表现。对神奇仙境的色彩性塑造，对自己熟悉的生活情趣的描绘，对自然景色的主观体验式的刻画，都带有他那宁静、优雅、无冲突的气质，既区别于舒伯特的深情，有没有舒曼的冲动。他为德国的音乐增添了不同的色彩。
    8、 以实例介绍门德尔松的管弦乐序曲。
    答：序曲直接继承了贝多芬的传统。5首序曲中，《芬格尔山洞》像一副音乐风景画，描绘出苏格兰赫布里群岛的风光。从音乐中透出海风呼啸，巨浪拍岸，飞鸟鸣叫般的声响。其余4首与文学
    名著相联系，如《仲夏夜之梦》取材于莎士比亚的戏剧;《平静的海、幸福的航行》根据歌德的诗;《鲁伊.布拉斯》得自雨果的戏剧;《美丽的梅露辛娜》是位格里尔帕采戏剧作的序曲。这些作品虽均采用奏鸣曲示，却自由的表达了种种意境。他们与门德尔松德交响曲一样，音乐明朗清新，形象清晰鲜明，并对浪漫主义序曲的发展和交响诗的诞生有重要影响。
    9、 无词歌——浪漫乐派标题性，歌曲性的器乐小品。
    10、舒曼的钢琴套曲：《蝴蝶》、《狂欢节》、《大卫同盟曲集》
    11、舒曼的声乐套曲：《诗人之恋》、《妇女的生活与爱情》
    12、简介舒曼在音乐评论方面的工作。
    答：1834年创办《新音乐报》发表大量文章，讴歌其艺术理想，阐明其美学。趣味抨击充斥社会的凡夫俗子和平庸浅薄的风气。他尊重古典音乐传统，同时热情的支持一切富于创造精神的新探索。从肖邦、格林卡到柏辽兹、李斯特，都得到舒曼的尊重和诚挚的评介，而年轻的勃拉姆斯更是得到他的热情的扶助。尽管这种艺术上的奋战同德国社会的现实斗争还有一定距离，但注满鲜明的表达了先进知识分子的理想和追求。
    19世纪下半叶和两个世纪之交的德奥音乐
    1、 为什么勃拉姆斯为“浪漫主义时期的古典主义者”?
    答：勃拉姆斯对于瓦格纳的“无穷进旋律”及突破传统的“未来艺术品”不感兴趣;相反他呈进于德国的民间音乐和所谓“过时的”专业音乐传统之中。他有意识得到巴赫、亨德尔、莫扎特、海顿甚至更糟的传统去寻找营养。他崇拜贝多芬，赞赏舒伯特、舒曼。他用除歌剧外的各种古典体裁进行创作，他在这些不再为当时作曲家垂青的传统形式里，力图追随贝多芬，获得音乐创作的严肃深刻的内涵与严谨完美的形式。
    2、 勃拉姆斯的艺术歌曲有什么特点?举两首为例。
    答：1)在选词方面内容大部分是关于爱情、生活场景和自然风光的，晚年偏爱写作思索死亡的歌曲，如《寂寞在荒野》、《死，寒冷的黑夜》等。2)在歌词与旋律的关系和形式结构上都接近舒伯特，始终突出优美流畅的旋律，旋律线常常建立在3和弦及其周围的音上如《铁匠》、《去看望爱人的路上》3)钢琴伴奏的描绘性不强，但和声新颖，织体丰富，常运用长段的琶音和切分节奏，如《你该知道我在归途中》《我的爱情多青春》。4)吸收民歌素材，具有民歌风，如《摇篮曲》《徒劳的小夜曲》《妈妈我有个愿望》。
                    

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    3、
勃拉姆斯不同体裁的器乐作品：交响乐：《e小调第以交响曲》协奏曲《d小调第一钢琴协奏曲》变奏曲《帕格尼尼主题变奏曲》、四重奏《a小调弦乐四重奏》
    4、 马勒的声乐套曲：《流浪少年之歌》、《大地之歌》
    5、 简介马勒的交响曲写作特点。
    答：马勒的创作与古典音乐传统的联系比较紧密。各部交响曲的结构十分庞大，乐章数目及规模大大超出传统形式。交响乐队的表现力在它的创作中得到极大的发挥，整体音响浑厚雄伟，织体层次复杂细腻。他的声乐作品在交响曲中起很大作用，不仅成为交响曲的主题，而且成为它们的最好的诠释。马勒的旋律保持着与奥地利民歌的联系，朴素、单纯、通俗易解。另一方面，他在和声、调性上又比较大胆。马勒的音乐风格虽然是德国交响乐传统的延续，，但他对感情表现的激烈夸张的
    追求、对内心体验的隐喻象征的表述、对音响色彩浓度的强调，都成为后来兴盛于德奥的表现主义音乐的先兆。
    6、简介理查.斯特劳斯交响诗的写作风格并举出两部代表作。
    答：他作品的旋律音域宽广，富于活力激情和紧张感;复调多随音乐发展自由流动，追求各声部的独立性而不过于顾及互相之间的和谐，形成复杂的整体音响，形式结构较自由，与传统曲式既有联系又有发展，常出现整体统一于不时杂乱相并存的现象。在瓦格纳的乐队编制基础上发展了配器技巧，多用各类乐器的极限音域，在宏大的音响中增加紧张度，逼真的模仿自然音响和表现某种象征性的意念，同时提高了乐器的表现性能和演奏技巧。作品有：《麦克白》、《查拉图斯特拉如是说
    7、斯特劳斯的歌剧：《莎乐美》、《玫瑰骑士》
    8、 为什么说伯辽兹是浪漫主义标题音乐的创导者?以作品实例加以说明。
    答：伯辽兹是浪漫主义标题音乐的创导者，使文学性情节和戏剧性构思侵入交响曲领域，首先体现在《幻想交响曲》中。他比贝多芬更进一步用标题来统帅交响乐创作的整体构思，用详细的文字说明来昭示戏剧性情节，并于音乐发展的线索紧密结合。作品中的固定乐思具有明确的形象意义，成为陈述故事性内容的重要手段。他将文学、诗歌、戏剧引入音乐，传统的音乐结构，手法都要服从于标题性内容的需要。在《幻想交响曲》上加上复标题，并在作品的每个乐章上都加上了标题，并加上了说明文字，使整部交响乐成为没有歌词的音乐戏剧，音乐与舞台形象相联系。为了达到这一目的，他在管弦乐法上作了不少的探索：扩大乐队编制，把竖琴、英国管引入乐队，增加打击乐器、低音单簧管和大号;扩展乐器的表现力，如弦乐器用弓背击弦等;探索乐器的组合，如在第二乐章两架竖琴加入乐队得到华丽的音响。
    9、 伯辽兹的管弦乐代表作：《幻想交响曲》、《哈罗尔德在意大利》、《罗米欧与朱丽叶》
    10、伯辽兹在配器方面的特点：具有宏大的气势及色彩绚丽的音响。他着意探索微妙细致的单色或混合色的乐器音响，并创造性的使用新的乐器，表现了杰出的器乐想象力，并使它的管弦乐队的规模和表现力大大超出了前人。
    11、固定乐思(idee fixe)——在伯辽兹的音乐中具有描绘性的音乐主题，贯穿音乐始终，推动音乐戏剧性的发展。
                    

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    (二)浪漫主义时期西欧国家的歌剧
    法国
    1、 古诺的歌剧代表作：《浮士德》
    2、 介绍比才歌剧《卡门》的写作特点。
    答：这部歌剧取材于批判现实主义文学家梅里美的同名小说，比任何用时期的抒情歌剧或喜歌剧都更深刻的接触到现实生活中悲剧性的矛盾。《卡门》最大的艺术价值，在于为歌剧舞台留下了个性极为鲜明的人物形象。比才创造性的运用西班牙风味的音调，节奏及完整的误区，是举重的人物、情节、环境表现的生动亲切，真实而有典型化。他已就按照传统分曲结构写作《卡门》，同时又吸收了哇格纳的乐队色彩与主导动机手法，全剧的歌唱与说白、音乐与戏剧之间紧密结合，使整部歌剧相当精炼、紧凑，交织着浓烈的激情与色彩。
    德国 奥地利
    1、 威柏歌剧在哪些方面表现了德国的民族性和浪漫主义的特点?
    答：在取材方面主要取材于德国的古老的民间传说，在音乐形式上采用德国歌唱剧与意大利传统歌剧相结合的形式，以民间气质的音乐真实的再现特定的生活环境。这些都体现了威柏歌剧中德国民族性的特征。在音乐表现上依赖于和声及管弦乐色彩渲染戏剧情节和烘托舞台气氛，威柏努力探索新的音色的组合，创造新颖奇幻的色彩效果。注意乐器的音色特点，赋予特定的表现功能。在创作手法上，音乐主题或反复出现，或变形出现，类似循环形式。这种通过反复出现的音乐主题、音色和调性来达到音乐的连续和统一，为瓦格纳的歌剧开辟了道路。以及他的序曲其中系统的采用歌剧的主要主题，大致综合了歌剧的情节和气氛。这一切都表现出威柏歌剧中所具有的浪漫主义特点。其歌剧作品有：《魔弹射手》、《优利安特》、《奥柏龙》
    2、 介绍瓦格纳的乐剧。
    答：瓦格纳称自己的歌剧创作是戏剧、诗歌、音乐高度结合的“乐剧”，在这个最高的“综合艺术品”中，音乐只是手段，戏剧才是目的;乐剧的内容必须是能与音乐完美结合的永恒不朽的神话、传说;音乐的形式不像传统的歌剧那样，将戏剧割裂为分曲(咏叹调、宣叙调、重唱、和唱)段落，而是成为连续不断的整体。这些原则带来瓦格纳音乐语言的大胆、新颖——始终处于紧张状态的“无穷尽”旋律、半音、和声、的大量运用，调性转换频繁造成的不稳定感，交响乐队的作用常常超过声乐，提供众多的主导动机来暗示剧情的发展。
    3、
主导动机——即以一段短小的动机或主题代表特定的人物、时间、物体、地方，甚至气氛、情感。在音乐的发展中不断出现，根据音乐的需要加以变化，以推动音乐的发展，求得音乐的统一。最早用于瓦格纳的乐剧创作中。
    4、 瓦格纳的歌剧在结构上与传统歌剧有什么不同
    答：音乐形式成为连续不断的整体，在一幕音乐中无明显的段落性，用阻碍终止、侵入终止、织体的复调手法和节奏上的紧接来造成不间断的发展。只有在每幕的结束才有稳定的终止;他认为音乐应付从于戏剧，而戏剧的剧情有内外两层，唱词阐明的具体情节只是剧情的外层表现，内层是管弦乐的天地，能够运载唱词不能表达的内涵，因而他歌剧的声乐部分常介乎于说与唱之间的“念唱旋律”，随剧情的发展自然的进入和消失;管弦乐则被提高到十分重要的地位，使音乐有很强烈的交响性;歌剧中的主导动机均有很强的概括性，主导动机的反复出现成为求得音乐统一的有效手段。
    5、
无终旋律——在一幕音乐中无明显的段落性，用阻碍终止、侵入终止、织体的复调手法和节奏上的紧接来造成不间断的发展。只有在每幕的结束才有稳定的终止。
    6、 瓦格纳在歌剧中对乐队的使用有什么特点?
    答：乐队编制扩大，增加木管铜管的数量，巧妙的运用英国管和弦乐的低音区，炫示铜管和打击乐，特别是运用低音小号、低音长号，并专门设计了瓦格纳大号，使铜管遍及整个音区，使交响乐队气魄宏伟而又细致精妙，具有极强的感染力。
    7、
瓦格纳的和声特点：瓦格纳确立了一种半音化线条的构思，彻底破坏了大小调和声的功能网，和弦间的主属关系不复存在，瓦格纳的和声打开了通往调性瓦解的大门。
    8、 瓦格纳的代表作：《尼伯龙根的指环》《特里斯坦与伊索尔德》《纽伦堡的名歌手》《汤豪森》《漂泊的荷兰人》
    意大利
    1、 罗西尼的歌剧：喜歌剧：《塞维尔的理发师》、正歌剧：《威廉.退尔》
    2、 多尼采蒂的歌剧作品：《爱之甘醇》、《拉摩美尔的露西亚》
    3、 贝利尼的歌剧代表作：《梦游女》《清教徒》
    4、
威尔第歌剧写作的特点：威尔第歌剧以其深刻的现实主义力量和艺术上的大胆创造与探索而感人至深。他的大多数歌剧虽然依旧遵循分曲结构的写法，但他尽量克服不自然的、刻板的段落衔接。咏叹调内部的结构，随剧情及情绪的发展而处理的灵活自由，使人物性格在音乐与戏剧浑然一体的对比发展中呈现出来。他还克服了意大利歌剧乐队粗糙、表现力苍白的弱点。使乐队在不压倒旋律部分的情况下尽情发挥其表现力。他始终注意研究瓦格纳歌剧的特点，对瓦格纳分场不分曲的结构、乐队的巨大作用和主导动机的手法加以创造性的运用。他始终坚持自己民族的风格与传统的审美习惯。创造出了众多的富于戏剧力量而又光彩动人的旋律。代表作：《弄臣》《茶花女》《游吟诗人》《阿依达》
    5、 取材于文学作品的威尔第歌剧：《茶花女》《麦克白》《奥赛罗》
    6、 什么是真实主义歌剧?其代表作家及代表作品。
    答：真实主义歌剧从某种意义上讲是对瓦格纳乐剧的一种反抗，他反对歌剧采用虚幻的神话题材，反对歌剧篇幅无休止的扩展以及音乐的重浊繁杂和夸张，主张取材于现实生活特别是写下层小人物，热衷于描写嫉妒、争分和情杀，力求用简洁明快的手法，组织起歌剧的戏剧场面。真实主义歌剧具有后浪漫主义音乐的特征，其代表人物是：马斯卡尼、列昂卡伐洛。其作品分别为：《乡村骑士》《丑角》
    7、 普契尼歌剧的写作特点及代表作。
    答：在音乐与戏剧的关系上，尽量避免宣叙调与咏叹调的截然分开，使宣叙调具有优美的音乐律动，但他认为没有鲜明动人的旋律就没有音乐，因而在它的歌剧中有大量感人肺腑的咏叹调和重唱段落。在音乐技法上，吸收和运用当代新技术是他的准则，和声语汇较同时代的其他意大利作曲家先进，逼近色彩丰富，而且随剧情的发展而变化。它的配器十分细腻，最具特色的是他歌剧中俯拾皆是的用器乐重复人声的歌唱。此外，他十分注意为歌剧营造恰当的环境气氛。19世纪民族主义作曲家重视地方色彩的音乐观对他也有影响，凡取材于已过，均审慎的吸收运用该国的音乐素材。代表作有《蝴蝶夫人》、《图兰多》、《托斯卡》
    8、 为什么说谱契尼的歌剧具有真实主义的特征?
    答：他的歌剧的取材具有真实主义的倾向，热衷于刻画社会中的真实人物，热衷于描写嫉妒、争分和情杀，力求用简洁明快的手法，组织起歌剧的戏剧场面。
                    

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    (三)民族乐派
    1、 肖邦的音乐在哪些方面表现出民族特色?
    答：肖邦具有强烈的爱国情感，在他的作品中蕴含着强烈的爱国热情和民族激情，体现了一种
    不屈的民族精神;他在音乐创作中创造性的运用波兰的民间音乐。结合波兰民间音乐的节奏特征，赋予波兰的民间舞曲如玛组卡、波兰舞曲以极高的艺术性和表现力。
    2、 肖邦钢琴音乐有那些与古典主义音乐不同的特点?
    答：肖邦尊重并继承古典音乐的传统，但他的钢琴音乐艺术具有独特的风格：优美潇洒情真意切的旋律，自由不拘的节奏韵律，色彩丰富的和声，灵活而幅度宽广的织体，新颖精致又严谨贴切的结构。特别是在他的玛组卡和波罗奈兹舞曲中，创造性的运用民族民间调式、和声和特性节奏，显示了一个到底的“玛祖尔人”对自己民族性格、风格、情趣及艺术语言的熟悉和理解。
    3、 肖邦钢琴作品的体裁：玛祖卡、波罗奈兹、前奏曲、夜曲、幻想曲、圆舞曲、叙事曲、谐谑曲
    4、 李斯特的钢琴写作特点及代表作。
    答：李斯特的钢琴音乐受肖邦的影响。他吸收融化了肖邦的创造，在炫技性的演奏上有更大的发展。他在音乐中引入了交响性和歌唱性因素，以及模仿小提琴的跳弓，大量运用大音程跳跃，两手交织弹奏歌唱性的内声部，模仿民间乐器快速的同音反复等因素。作品有：《匈牙利狂想曲》、《b小调钢琴奏鸣曲》《第一钢琴协奏曲》
    5、 介绍交响诗及其代表作品。
    答：交响诗是李斯特创造的新的音乐体裁，是一种综合性的艺术形式，来源于贝多芬、威柏歌剧序曲的标题性、戏剧性传统，而集中体现了李斯特苦心追求的艺术理想。他强调文学构思与音乐发展的内在联系;他并不主张具体的描绘情节，而注重概括的表达感情和形象。在他的标题交响诗中，传统交响乐四乐章的构思浓缩与一贯到底的单乐章结构中;主题动机的变化、发展及延续，曲式的自由处理，都服从于对文学性内容的总体理解。《前奏曲》、《普罗米修士》《浮士德》《塔索》
    6、 为什么称斯美塔那为捷克民族主义音乐的开创人?其代表作品。
    答：斯美塔那青年时期就积极投入布拉格的1848年革命，创作过合唱曲、进行曲，讴歌革命和自由。六十年代，他全力投入民族音乐文化建设，从事创作、指挥、教学、评论，并领导建立艺术家协会及民族歌剧院。亲自指挥演出和全力进行民族歌剧的创作。他这些饱含爱国热忱和民族情感的作品及艺术活动，为捷克专业音乐开辟了道路，指明了方向。他的创作在题材内容和艺术形式上都具有鲜明的民族特色。他的作品在承袭欧洲音乐专业技巧的同时，渗透了捷克民歌旋律音调和民间舞曲的节奏，广泛采用了捷克民间音乐体裁，从而将捷克民族音乐提高到了新的水平。这一切使他成为富于音乐传统的捷克民族自己乐派的当然的奠基者和开创人，被称为“捷克音乐之父”。歌剧有：《被出卖的新嫁娘》、《布兰登堡人在波希米亚》《李布舍》《达里波尔》交响乐有：《我的祖国》
    7、 德沃夏克音乐的民族性表现在哪些方面?代表作品。
    答：德沃夏克的音乐常取材于民族的历史、传说、风光、民俗的描绘等。它的音乐风格是一种民族音乐语言与西欧及其他斯拉夫国家艺术因素相融汇的综合体。作品有：《e小调第九交响曲“自新大陆”》《d小调第七交响曲》歌剧有：《水仙女》《阿尔米达》管弦乐曲：《斯拉夫舞曲集》《捷克组曲》《斯拉夫狂想曲》交响诗：《水妖》、《金纺车》《野鸽》序曲：《在大自然里》、《狂欢节》、《奥赛罗》世俗大型合唱：《赞美诗，白山的后继者们》戏剧康塔她：《幽灵的新娘》清唱剧《圣柳德米拉》歌曲及重唱曲《摩拉维亚二重唱》《吉普赛歌曲》《圣经歌曲》
    8、 格里格的民族风格表现在哪些方面?作品有哪些?
    答：格里格的创作和民族的主题紧密相连，他为挪威诗人的诗作谱曲，挪威民间的哈林、斯普林舞曲，农村生活的风俗场景，祖国的山川江河，美丽的民间传说都成为他音乐表现的内容;另一方面，挪威社会生活的平静和保守，也影响着格里格生活、艺术情趣的范围，他在艺术风格上追求
    简朴、恬静。基于民歌调式和由此形成的新颖的和声，构成格里格音乐清晰、明快和富有色彩的特征。作品有：钢琴曲《a小调钢琴协奏曲》《e小调钢琴奏鸣曲》《抒情小曲》(66首)《乡村生活素描》声乐套曲《山之精灵》《本佐诗歌歌曲集》管弦乐组曲《培尔.金特》弦乐合奏《霍尔堡组曲.
    9、 西贝柳斯音乐中的民族主义精神和民族特色表现在哪些方面?代表作品有。
    答：西贝柳斯是一位面向现实，把自己的创作与民族解放斗争联系在一起的作曲家，即直接为政治斗争写音乐，也把民族的灵魂，人民的心声表露出来。作品几乎涉及除歌剧外的各类音乐题材。他强烈而坚定的民族主义倾向，首先在交响诗和交响组曲中表现出来。它的交响曲则以纯音乐的方式展现北欧特有的气质和风貌。此外他还将芬兰民歌的调式应用于交响曲的创作中，形成新颖的和声音响，具有强烈的民族色彩。作品有：交响诗《芬兰颂》合唱交响曲《库列沃》管弦乐曲《列明凯能组曲》交响曲《e小调第一交响曲》《D大调第二交响曲》《D大调第六交响曲》《C大调第七交响曲》
    俄罗斯
    1、 为什么称格林卡为俄罗斯民族主义音乐的开创人?他的民族风格表现在哪些方面?代表作品。
    答：几个世纪以来，俄罗斯是一个在经济、政治上都落后于西欧的封建帝国，文化上发展迟缓。格林卡之前的俄国音乐，基本处于模仿西欧的阶段，意大利音乐家和它们的歌剧成为帝国音乐的主宰。作为俄罗斯民族乐派的第一代探索者，格林卡做出了不可磨灭的贡献，它的音乐创作为俄罗斯音乐的发展展示了一个美好的前景。是他间隔罗斯的专业音乐感上欧洲音乐强国的水平，为俄罗氏艺术音乐的发展奠定了基础，开辟了道路，从而确定了俄罗斯音乐在世界音乐中的地位。格林卡的音乐创作特征有三种因素构成：首先牢固的扎根于罗斯民间音乐的土壤;其次是吸收了俄国城市音乐文化的养分;三是借鉴了西欧古典乐派和浪漫乐派的音乐成果。表现民族历史、传说和民间生活，与俄罗斯的文学、诗歌相结合，运用民间舞曲歌曲的旋律以即配置相应的民族和声调式，所有这些艺术特征都为俄罗斯民族主义音乐的创作开创了道路。使俄罗斯音乐提高到了前所未有的水平。因而，格林卡被称为俄罗斯民族主义音乐的开创人。代表作有：歌剧《伊万.苏萨宁》《鲁斯兰和柳德米拉》管弦乐《卡玛林斯卡娅幻想曲》声乐套曲《告别彼得堡》。
    2、
强力集团——19世纪60年代的俄国，在音乐界，以巴拉基列夫和评论家斯塔索夫为中心，形成了一个有共同见解和目标的小组，被称为“强力集团”或“五人团”成员有：居伊、鲍罗丁、穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫。他们的基本主张是，走格林卡的道路，写俄国自己的题材，创作体现本民族独特个性的、真实而富有人民性的作品。
    3、 鲍罗丁作品：歌剧《伊戈尔王》交响音画《在中亚细亚草原上》
    4、 穆索尔斯基的创作思想是怎样的?在写作手法上有那些与众不同之处，代表作品。
    答：他为了体现作品内容上的现实主义倾向，他在艺术上的创新十分大胆，他反对因袭西欧传统技法，厌恶唯美主义时尚，认为真实的音乐不应该粉饰社会，而要说出真理，将活生生的人体现在活生生的音乐中;只有从俄罗斯语言中去发掘的旋律才是美的。它对于表达人的内心情感要真诚直率的追求，使他在运用调式、和声及形式结构等表现手法上同样富于创造性。特别是他立足于民间调式的和声，具有任意随想的性质，而无视传统的功能和声体系，他的作品蕴含着深刻的俄罗斯民族气质，体现了一种区别于任何其他欧洲国家音乐的强烈诱人的个性。穆索尔斯基的音乐预示了后来音乐历史发展的新路。代表作品：歌剧《鲍里斯.戈都诺夫》钢琴组曲《展览会上的图画》歌曲《跳蚤之歌》《孤儿》
    5、 简介里姆斯基-科萨科夫的音乐风格及其作品。
    答：里姆斯基-科萨科夫的创作题材与穆索尔斯基不同，大多是从俄罗斯古代神话、寓言故事里
    去寻找灵感。他的音乐风格体现在：脱胎于民歌的旋律，有特性的民间调式及和声，被经常使用的俄罗斯传统的变奏手法等。他对民歌的爱好，还进一步扩展为对东方的异国音调和风俗的兴趣，它的管弦乐语言五光十色，多采缤纷，充分挖掘了不同色调，层次及浓淡的乐队音响，这也是他作品的魅力所在。作品有：标题交响组曲《谢赫拉查达》歌剧《金鸡》《萨特阔》
    6、 柴可夫斯基的音乐风格及其作品。
    答：柴可夫斯基继承了格林卡的传统，但他又从揭示内心感情冲突出发，形成了自己与传达自我体验紧密相连的艺术风格。他的旋律平易而内在，具有深情悠长、舒展宽阔的歌曲气质;发展旋律的手法十分乐队化，往往造成尖锐紧张的高潮和奔腾倾泻的感情集流。他的歌剧像瓦格纳一样，重视发挥乐队作用;它的交响曲富有戏剧性，结构庞大，其内在的对比矛盾、冲突发展都比欧洲传统交响曲要激烈;乐队色彩时而精致典雅，时而粗犷爆烈。柴可夫斯基的音乐能够使我们从一个特定的角度，真切体会当时俄罗斯人的精神与思索。作品有：芭蕾舞剧《天鹅湖》《睡美人》《胡桃夹子》歌剧《黑桃皇后》,《叶夫盖尼.奥涅金》交响乐《b小调第六交响曲“悲怆”》标题序曲《罗米欧与朱丽叶》《哈姆雷特》《暴风雨》钢琴曲《四季.》
    7、 19世纪末20世纪初俄罗斯的重要作曲家是：斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫
    8、 拉赫玛尼诺夫的音乐风格及作品。
    答：拉赫玛尼诺夫保持了晚期浪漫派的音乐风格和音乐观，与俄国文学艺术传统，特别是柴可
    夫斯基有较密切联系。旋律气息宽广，悠长优美，具有俄罗斯式的忧郁深沉，和声未超出大小调半
    音体系，华丽而富有表现里。管弦乐音响浓郁厚实，力度对比强烈，它主要写作钢琴曲、交响音乐
    和声乐曲，其技巧高潮、气势宏大的演奏风格直接影响倒他的钢琴创作。作品有：钢琴协奏曲《帕
    格尼尼主题狂想曲》交响诗《死亡岛》《交响舞曲》大合唱《春》独幕歌剧《阿列科》
    9、 斯克里亚宾的音乐风格及作品
    答：在他的创作中，他丝毫不受传统观念的束缚，表现的极为自由。他创造神秘色彩的和弦(用
    c、升f、降b、e、a、d互相叠置)作为核心和音、音调的中心，以代替传统的功能和声体系;他
    用零碎的片断、痉挛式的乐剧代替旋律;用复杂无规律的节奏造成紧迫或恍惚的感觉;他不用调号，
    无所谓调性;他的乐队庞大而色彩浓艳，这些革新不仅为俄国的现代主义音乐开了先例，也是欧洲
    无调性音乐和光色手法的肇端。作品有：交响曲《第四交响曲“狂喜之诗”》《第五交响曲“普罗米
    修斯》钢琴小品《练习曲》《前奏曲》《夜曲.》《玛祖卡》。
    10、弗朗克在法国民族音乐发展中的作用，代表作品。
    答：复朗克和他周围的一批青年音乐家的创作将法国的器乐推向了柏辽兹之后的新高度。他们
    不仅对培养和提高法国听众的艺术趣味起了重要作用，而且从创作思想到艺术语言的探索都为以后
    德彪西的创新提供了厚实的土壤。作品有：《d小调交响曲》清唱剧《至福》《A大调小提琴奏鸣曲》。
    11、民族音乐协会——他是顺应普法战争后高涨的民族情绪而产生的一个音乐组织，专门宣传法国的器乐作曲家并组织其作品的演出。圣-桑担任协会的主席，他以自己的美学见解和创作活动，号召青年们抵制瓦格纳主义的泛滥。
    12、圣-桑的作品：《动物狂欢节》《参孙和达里拉》
                    

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    第七章：二十世纪音乐
    (一)印象主义音乐
    1、
印象主义的音乐特征：旋律常以短小的动机缀合尔称，避免浪漫主义音乐中常见的重复、扩充、发展等手段。声乐旋律与语言音调相吻合，器乐旋律也很少有气息宽广的线条。喜用复节拍和复节奏，节奏不规则的细分减弱了推动力。重视调式的表现力，如运用五声音节、中古调式及全音阶。扩大调性概念，常避免出现明确的终止示。全音阶的运用使调式中的每一个音居同等地位，减弱了调中心感。和声成为最重要的表现手段，通过增加和弦结构的可能性，减弱和弦进行的功能性，取得极其丰富的和声色彩。音色丰富新颖，广泛运用乐器演奏法上的色彩手段。配器及织体安排极其细腻，使管弦乐色彩缤纷，并把力度与音色联系起来。较多采用小型体裁，结构往往松散模糊，但不少作品仍可看到三步性结构的轮廓。
    2、 德彪西的音乐特征及作品。
    答：他的音乐缺乏传统音乐中那种严密的组织，只追求标题所启示、象征的总体意境。理性的、逻辑性的传统结构形式，被自由抒发的、灵感式的倾诉改变成了模糊、隐绰、松散的轮廓;旋律不具备传统观念的悠长线条，而是片断、零散的形态;调式虽未脱离大小调体系，但广泛使用了全音阶、五声音阶级中古调式等;和声上摆脱了功能体系的束缚，趋向于削弱功能性而增强和声进行中的色彩效果;具体手法上对和谐、不谐和一视同仁，而且频繁使用九、十一、十三等和弦，附加或省略和弦音，非三度或平行叠置的和弦等，这种极具个性的和声语言，使传统调式和声体系濒于解体。这一切形成了德彪西别具一格的音乐特征：新颖、雅致、清新、灵巧，缺少音乐发展所固有的内在动力，而“以温婉的方式力求给人一块感”。作品有：管弦乐曲《牧神午后》《夜曲》《大海》《意象》歌剧《培里阿斯和梅丽桑德》钢琴《意象集》《版画》
    3、 拉威尔的音乐与德彪西音乐的异同点及作品。
    答：拉威尔虽然受到与德彪西相似的文艺潮流影响，但两人的艺术气质却有很大差异。在拉威尔的某些作品中亦反映出印象主义音乐的风格特征，但更主要是广泛吸收传统的和当代的，本国的于异地的音乐资源，形成冷静客观，精致优美的个人风格。作品有：钢琴《镜》《水中嬉戏.》舞曲《达芙尼与赫罗娅》管弦乐《西班牙狂想曲》《波莱罗》组曲《鹅妈妈.》
    (二) 新古典主义
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新古典主义的音乐风格特征：新古典主义是对后浪漫主义的反动。他排斥过度的情感表现，要求冷静约束;反对膨胀的主观意识，提倡客观稳定的创作态度;偏爱古典的奏鸣曲、协奏曲、各类室内重奏，复活巴罗克时期的大协奏曲、帕蒂塔、托卡塔、帕萨卡利亚、利切卡尔等纯音乐题材;追求形式结构的匀称完美、浓缩精炼和音乐织体的明晰见解，理性化的复调织体明显胜于主观性强的和声手段;在发展手法上，较少运用德、奥音乐中常见的主体的对比冲突和动机的分裂发展，代替以单一主题和衍生出多主题的手法;不用大编制的乐队，爱好室内乐队自由的组合和朴实无华的效果;常常出现对以往作曲家作品的模仿和暗示，然而，新古典主义并非真正回到古典，一方面，音乐家有着不同的艺术目标，另一方面，种种新技术手段，诸如自由的不协和音响、多调新、复杂的节奏
    组合，都被广泛运用，所以称为“新-古典主义”。
    2、 六人团——奥涅格、米约、浦朗克、奥里克、迪雷、泰莱菲雷。
    3、 斯特拉文斯的新古典主义风格表现在哪些具体的方面。作品有哪些?
    答：斯塔拉文斯基写作的音乐，采用巴罗克大协奏曲的乐队组合方式以及前奏曲、小夜曲、托卡塔、加沃特等器乐体裁，织体明晰，音响情澄，有准确无误的18世纪风格。然而却以他特有的手法使原曲巧妙变形，例如用近似固定低音的方式，对原曲伴奏音型重新安排;添加内声部，形成一种较为不协和的印象;乐剧作扩充或缩短，使旋律与节奏不归整等等。作品：歌剧《谱尔西奈拉》管弦乐《管乐八重奏》
    4、 斯特拉文斯基的早期三部舞剧：《春之祭》《火鸟》《彼得卢什卡》不属于新古典主义风格。
    (三) 表现主义
    1、 表现主义音乐的具体手段与传统有哪些不同/
    答：音乐以抽象、夸张、扭曲、怪诞的笔法对现实进行变形的描绘。用梦魇、幻觉来映射客观世界，用刺激、不协和的音响来揭示心灵的孤寂、恐惧、绝望以至疯狂，成为表现主义音乐的主要特征。表现主义音乐抛弃了传统大小调体系。表现主义的突出特征是无调性：八度中十二个音的地位同等重要，不再区分变化音和自然音，没有显示调性的中心音。
    2、 表现主义音乐的代表作曲家有：勋伯格、贝尔格、威伯恩
    3、 勋伯格创立的作曲法：十二音体系作曲法
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十二音体系作曲法：把八度中的十二个音作为一个整体看待，仅仅当成孤立的一个个音，否定十二音之间的依赖性，否定主音的基础和主导地位，否定导音的功能倾向性，既达到彻底的无调性，又形成了新的规则，这就是被勋伯格称之为一个音与一个音只是相互关联的十二音作曲法。这种方法是，作曲家在写作之前，先凭自己的兴趣随意编排十二音的“序列”，作为创作乐曲的基础。应遵循几条规则：1)每个音必须在其余11个音都出现之后方可重复，但少数例外，如震音、颤音、助音中的短暂重复是允许的;2)避免三和弦进行。3)四度、五度音程，三全音音程尽可能只用一次。4)在序列中不应过多用相同的音程。5)基本序列中各音移低或移高一个八度，意义是一样的。音列有4种形式：原型、逆行、倒影、逆行倒影
    5、 勋伯格的音乐作品：《华沙幸存者》《期待》交响诗《佩利亚斯与梅丽桑德》
    6、 贝尔格的音乐风格及作品
    答：音乐具有抒情气质。为表现主义音乐的创作增添了更多的感情力量和色彩。作品有：歌剧《沃采克》器乐《弦乐四重奏》
    7、 威伯恩的创作特点与作品。
    答：威伯恩比贝尔格更远离传统和现实。他将勋伯格创立的十二音体系推向序列音乐，对音高、音色、音值长短的要求很严格，对单音和音色的兴趣高于一切，在全部作品中，主观、抽象、高度简洁的风格都极为鲜明。作品有：《六首管弦乐小曲》《5乐章的弦乐四重奏》